Influx Œuvre composée dans le cadre de l'Académie Horizon Étendu Ensemble Mêtis François Draux – Clarinette Violaine Darmon – Violon Justine Péré – Violoncelle • Alireza Seyedi – Influx (2024), pour clarinette violon, violoncelle et électronique Influx, s’inspire d’un événement quotidien — l’un de ces moments en apparence anodins mais qui portent en eux une charge émotionnelle profonde. Au cœur de cet événement : le choc et les influx nerveux — des surgissements internes, soudains et violents, qui bouleversent tout, au point de transformer même un passé anxieux en quelque chose qui ressemble à un vœu ou à un rêve. Ces influx terrifiants surgissent sans prévenir, comme des attaques destructrices qui rompent la continuité et brouillent la frontière entre mémoire et imagination. L’histoire qui sous-tend cette pièce est, à bien des égards, à la fois significative et douloureuse, et pourtant elle reste une occurrence simple, répétitive, dans un monde chaotique rempli de détails négligés… si toutefois nous choisissons d’y prêter attention ! Alireza Seyedi

00:00 - Syrinx 05:30 - Crystals Les solistes de l'Ensemble Mêtis Mario Caroli – Flûte Stefanos Thomopoulos – Piano • Claude Debussy (1913) — Syrinx, pour flûte Composée en 1913, Syrinx est l'une des œuvres les plus emblématiques de Claude Debussy pour flûte solo. Cette pièce, d'une durée d'environ trois minutes, est souvent perçue comme un chef-d'œuvre de la musique impressionniste, capturant l'atmosphère énigmatique et l'intimité propre à l'univers de Debussy. Syrix s'inspire de la mythologie grecque, racontant l’histoire de Syrinx, une nymphe transformée en roseau pour échapper aux avances du dieu Pan. La musique incarne ce moment de métamorphose, alliant fluidité et tension. Le flûtiste devient le narrateur de ce drame mythologique, alternant entre des lignes mélodiques sensuelles et des gestes plus percussifs, évoquant à la fois la douceur du roseau et l’urgence du mythe. À travers cette œuvre, Debussy explore la sonorité de la flûte, jouant avec les nuances subtiles, les chromatismes et les mélodies ondulantes qui illustrent la fragilité et la beauté du personnage de Syrinx. Syrinx est un poème sonore qui, en seulement quelques minutes, transporte l’auditeur dans un monde de rêverie, où la musique, comme le roseau, devient à la fois symbole de liberté et de fuite. • Doina Rotaru — Crystals (2002) , pour flûte et piano Composée en 2002 pour flûte et piano, Crystals de Doina Rotaru est une œuvre fascinante qui explore l’idée de la transformation et de l’évolution à travers des sonorités cristallines et des textures musicales délicates. Le titre de l'œuvre évoque des images de clarté, de lumière et de structure, tout en suggérant une nature fragile et éphémère. Les cristaux, dans leur beauté intemporelle, symbolisent ici l’instantanéité du moment musical, où chaque son semble figer l’éternité, tout en étant pris dans un processus constant de métamorphose. La pièce se caractérise par une interaction subtile entre la flûte et le piano, où chaque instrument joue un rôle essentiel dans la création de l'atmosphère. Le piano, avec ses accords scintillants et ses passages résonnants, sert de toile de fond aux lignes fluides et aériennes de la flûte, créant un dialogue entre légèreté et densité. Les techniques étendues utilisées par la flûte, combinées à la richesse sonore du piano, génèrent des textures complexes qui rappellent les multiples facettes et formes des cristaux. Crystals est une exploration sonore des principes de croissance et de transformation, où chaque mouvement musical, comme un cristal, se développe à partir de fragments simples pour former une structure de plus en plus complexe et fascinante. L’œuvre, à la fois contemplative et dynamique, invite l’auditeur à une immersion dans un monde de sons fins et éphémères, où la beauté se révèle dans chaque détail.

New Gates Ensemble Mêtis Mario Caroli – Flûte Agnès Bérard – Harpe Yona Zekri – Alto • Kaija Saariaho – New Gates (1996), pour flûte, alto et harpe New Gates is an adaptation of Gates, a movement from the ballet Maa (the harp taking over the ornate cembalo part), and can be understood as a synthesis of Kaija Saariaho's musical thinking in the 1990s, in which the interplay of sound para­meters has moved from a stricter focus on timbre and harmony to a full use of all para­meters. The three instru­ments, each unfolding very different lines idiomatic of Saariaho's writing for them, move closer and away from each other, and in the overlaps and interstices new wide landscapes seem to open out of sparse means. www.saariaho.org

Géographie de la mémoire Composée pour l'Ensemble Mêtis Mario Caroli – Flûte Alberto Chaves – Saxophone Stefanos Thomopoulos – Piano Violaine Darmon – Violon Yona Zekri – Alto • Victor Ibarra – Géographie de la mémoire (2025), pour flûte, saxophone, piano, violon et alto Cette pièce est née d'une réflexion à propos de la manière dont une étendue d'eau peut représenter l'idée d'une division géographique, identitaire, culturelle ou conceptuelle. J'ai trouvé intéressante la manière dont les êtres humains prennent, peut-être parfois inconsciemment, certaines manifestations de la nature comme un symbole, en leur attribuant une signification. Les différentes masses d'eau – qui peuvent varier au fil des années en fonction des différentes circonstances : changements climatiques, déplacements tectoniques, etc.– ont été historiquement considérées par les êtres humains comme une séparation territoriale et même identitaire. D'autre part, les ressources techniques, tant individuelles que collectives, et l’ambitus expressif des instruments de cette pièce sont impliquées dans cette dynamique de recherche identitaire et conceptuelle et tentent de proposer une géographie sonore qui se situe dans le concept de la recherche de cette frontière. Une démarcation qui pourrait bien se situer entre la richesse expressive des instruments à vent en opposition aux instruments à cordes, ou l'expressivité du timbre de chacun des instruments et leurs différents modes d'exécution, ou bien dans une perspective différenciée à partir des réalités sonores opposées. Certains de ces contrastes pourraient être établis comme une analogie avec le concept de frontière et la recherche d'une différenciation identitaire, ou peut-être comme la manifestation inconsciente d'un nécessité inné de construire une mémoire à partir d’une identité personnelle mais aussi collective. Victor Ibarra

00:00 - Come perduto nel mare un bambino 07:13 - Etudes n° 2, 6 et 13 Les solistes de l'Ensemble Mêtis Mario Caroli – Flûte Stefanos Thomopoulos – Piano • Nadir Vassena – Come perduto nel mare (1999), pour flûte Come perduto nel mare est une méditation poignante sur la perte et la vulnérabilité. L’œuvre évoque l’image d’un enfant dérivant au gré des flots infinis — une métaphore de l’innocence abandonnée face à l’immensité de l’inconnu. Le langage sonore de Vassena se déploie en textures délicates et fragmentées, où les sons surgissent et s’évanouissent comme des échos lointains portés par le vent. Le silence prend une place essentielle, sculptant une tension fragile entre le plein et le vide. Techniques étendues et gestes subtils évoquent le ressac des vagues et la sensation d’apesanteur liée à l’égarement, plongeant l’auditeur dans un espace où le temps semble suspendu. L’œuvre invite à une introspection profonde, explorant les frontières entre la présence et l’absence, la mémoire et l’oubli. • Philip Glass — Les Études, pour piano Les Études de Philip Glass sont une véritable exploration de son langage musical, à la fois hypnotique et profondément expressif. Composées entre 1994 et 2012, ces pièces ne sont pas seulement des exercices techniques pour le pianiste, mais aussi des voyages introspectifs où le rythme, l’harmonie et la mélodie s’entrelacent dans une pulsation organique. Chaque étude possède sa propre couleur : Étude n°2 dévoile une énergie obstinée, propulsée par des motifs répétitifs et des variations progressives. Étude n°6 explore une atmosphère plus méditative, jouant sur des harmonies suspendues et une douceur contemplative. Étude n°13 révèle une écriture plus lyrique, presque chantée, où la ligne mélodique s’élève au-dessus d’un flux harmonique en perpétuel mouvement. À travers ces pièces, Glass conjugue rigueur minimaliste et liberté émotionnelle, créant une musique à la fois répétitive et en constante transformation. Les Études témoignent de son désir d’allier virtuosité pianistique et quête d’une beauté épurée, offrant ainsi à l’auditeur une immersion dans son monde sonore vibrant et intemporel.

Premières secousses Composée pour Ensemble Mêtis Alberto Chaves – Saxophone Stefanos Thomopoulos – Piano Violaine Darmon – Violon Justine Péré – Violoncelle Noé Constant – Contrebasse • Jean-Luc Hervé – Premières secousses (2025), pour saxophone, piano, violon, violoncelle et contrebasse L'idée musicale à l'origine de la pièce fait appel à l'imaginaire des forces telluriques, celles capables de faire trembler le sol, celles qui fissurent, déplacent, transforment. À la fois inquiétantes et fascinantes, ces forces remettent en cause nos certitudes, nos fondements, et rappellent que rien est immuable. Comme le sol lors des tremblement de terre, la musique gronde, et les ondes musicales deviennent ondes sismiques. L'effectif de la pièce, constitué en partie d'instruments graves capables de libérer une grande énergie, a été choisi pour explorer les sonorités sombres et tremblées. En utilisant notamment au saxophone baryton les catégories de multiphoniques produisant des interférences et à la contrebasse une scodatura pour réaliser des doubles sons dans l'extreme grave, la musique développera une matière sonore ébranlée par de grandes vibrations. La forme se présentera comme une alternance de moments fortissimo, de mise en vibration du matériau musical, suivis de moments où la propagation de cette vibration animera un second matériau, au départ diaphane et pianissimo. À chaque réitération des sections fortissimo, la propagation du mouvement prendra de plus en plus d'ampleur pour culminer dans une section de piano solo. L'instrument préparé diffractera cette énergie accumulée dans des gestes fragmentés, comme des débris de sons restants après la fissuration et la destruction du matériau musical sous l'effet de ce soulèvement sonore. Le solo de piano préparé laissera émerger à son tour une coda électronique diffusée sur le réseau de 24 haut-parleurs du dispositif Pré, cachés et posés au sol sur toute l'étendue de la salle parmi le public. Cet ultime développement du matériau sonore sera constitué d'impulsions graves répétées, formant une polyphonie de vibrations déployées sur toute l'étendue de la salle de concert, comme une gigantesque stridulation d'une population d'insectes monstrueux mettant en vibrations le lieu. métaphore politique. Si dans un art abstrait tel que la musique contemporaine sans narration ni représentation, la relation au monde semble lointaine, un partage du sensible avec le politique reste possible. Et c'est peut-être justement par sa forme plus que dans ses contenus que l'art ouvre des mondes. Le titre de la pièce, Premières secousses reprend celui du livre des Soulèvements de la Terre où le collectif dresse un panorama de ses actions dans sa défense de l'environnement. Les fondements idéologiques de nos sociétés, sous l'emprise d'une idéologie capitaliste destructrice des liens sociaux et des écosystèmes, peuvent, à la faveur d'une faille, trembler sous l'effet de forces s'associant dans des combats locaux ; premières secousses comme point de départ de la propagation d'idées et d'initiatives pour un changement radical de notre rapport au monde. Jean-Luc Hervé

00:00 - KURODA-BUSHI 04:32 - Élégie-mémoire Les solistes de l'Ensemble Mêtis Mario Caroli – Flûte • Toshio Hosokawa – KURODA-BUSHI (2022), pour flûte alto KURODA-BUSHI est une œuvre récente de Toshio Hosokawa qui puise son inspiration dans la tradition musicale japonaise tout en s’inscrivant pleinement dans le langage sonore contemporain du compositeur. Le titre de l’œuvre fait référence à un genre de chant populaire japonais, souvent associé à des récits épiques, et qui a ici été réinterprété à travers une vision personnelle et intimiste. Composée pour flûte alto, l’œuvre explore la richesse timbrale de cet instrument, utilisant des techniques étendues et une palette dynamique variée. Hosokawa, connu pour sa capacité à fusionner l’ancien et le moderne, mêle dans KURODA-BUSHI des éléments de la musique traditionnelle japonaise — en particulier l'utilisation de la respiration et des nuances subtiles de l'intonation — avec des procédés contemporains qui accentuent la fluidité et l'intensité des sons. Le flûtiste devient ici un conteur, façonnant une musique d’une grande expressivité, où les motifs répétés se transforment et évoluent en une sorte de méditation sonore. L’œuvre crée une atmosphère à la fois contemplative et intense, offrant au public une expérience immersive qui transcende le temps et l’espace, entre la mélancolie de l’ancienne tradition et la modernité de la musique contemporaine. • Iradj Sahbai – Élégie-mémoire Composée en 2018, Élégie-mémoire pour flûte alto est une œuvre profondément introspective et émotive, qui explore la relation entre la mémoire et l’oubli à travers un langage sonore riche et nuancé. Le titre même de l’œuvre, « Élégie », évoque la mélancolie, le deuil et la réflexion, tandis que le mot « mémoire » nous plonge dans un voyage temporel, où chaque son est un souvenir qui s’effrite ou s’élargit. À travers une écriture subtilement complexe, Sahbai invite l’interprète à faire surgir des atmosphères où se mêlent l’intime et le collectif, la douleur et l’espoir. L’œuvre se caractérise par des changements de registre, des nuances infiniment délicates et des jeux de respiration qui, ensemble, génèrent une tension émotive croissante. Les techniques étendues de la flûte alto sont utilisées de manière à accentuer le caractère fragile et presque éthéré de la musique, permettant à l’instrument de devenir un véritable vecteur de pensée, oscillant entre l’invisible et le palpable. Élégie-mémoire est à la fois une méditation sur le passage du temps et une quête de sens, où l’impermanence de l’existence se reflète dans la fluidité du son. Le flûtiste devient le porteur de ces fragments de mémoire, tissant une toile sonore où chaque note, chaque souffle, semble prendre vie et s’éteindre dans une éternelle réminiscence.

Vox Balaenae Ensemble Mêtis Mario Caroli – Flûte Stefanos Thomopoulos – Piano Justine Péré – Violoncelle • George Crumb – Vox Balaenae (1971), pour flûte, violoncelle et piano amplifié En juin 2025, Nice devient le point de convergence de la réflexion mondiale sur l’avenir de nos océans en accueillant la troisième Conférence des Nations Unies sur l’Océan. En écho à cet événement d’envergure, le Festival NIMFA clôture sa première édition avec un concert qui célèbre la relation intime entre musique et océan. Ce programme invite à une immersion musicale où se mêlent contemplation, mouvement et innovation. Il s’ouvre sur Vox Balaena, l’œuvre emblématique du compositeur américain, George Crumb, inspirée du chant des baleines. Utilisant des modes de jeu particuliers et une amplification, la pièce crée une atmosphère mystique et intemporelle, évoquant l’immensité des océans et la voix profonde de la nature. Au cœur de la soirée, une œuvre inédite de Jean-Luc Hervé, commandée pour l’Ensemble Mêtis, explore la fluidité et la propagation de l’eau. À l’aide du Dispositif Pré, un réseau de haut-parleurs miniatures répartis dans le public, l’œuvre offre une expérience sonore immersive qui transcende l’espace de l’auditorium. Ce dialogue entre innovation technologique et interprétation sensible reflète l’essence du festival : un espace d’expérimentation et de création contemporaine. La soirée met également à l’honneur deux compositeurs émergents de l’Académie NIMFA - Horizon Étendu, tels que Yalda Jahangiri et Alireza Seyedi, les deux vivent et travaillent en Iran. Ces créations côtoient des pièces de figures majeures de la musique contemporaine, comme Kaija Saariaho et Dieter Ammann, dont les langages musicaux enrichissent cette mosaïque sonore. Ensemble Mêtis donne également vie à la nouvelle pièce du compositeur mexico-français, Victor Ibarra. Le public de cette soirée sera le premier à écouter écouter cette œuvre qui repose sur une tension entre le contrôle du compositeur et l’autonomie laissée aux interprètes, ouvrant ainsi des chemins d’interprétation multiples. Avec ce concert, le Festival NIMFA affirme son ambition de faire dialoguer cultures, sensibilités et idées. L’océan, métaphore universelle de vie, de mouvement et de connexion, devient ici source d’inspiration et de partage. Une soirée qui captive, émeut et transporte, au croisement de l’art et de l’écologie.